Вы можете прочитать историю мозаики на сайте (текстовый вариант) или скачать в формате PDF (вариант с большим количеством иллюстраций) по ссылке ниже:

Техника мозаики (от франц. mosaпque, итал. mosaico, от лат. musivum, буквально - посвящённое музам) – вид декоративно-прикладного искусства, произведения которого предполагают составление изображений при помощи компоновки, выкладки и закрепления на основе поверхности кусочков смальты, камня, керамической плитки и других материалов. Данная техника часто используется в качестве декоративного оформления предметов интерьера, а также служит украшением для мебели.

Мозаика Месопотамии.

Предположительно, мозаика берет свое начало со времен древней шумерской цивилизации. Среди наиболее ценных предметов, украшенных с помощью этой техники, можно выделить арфу царицы Шубад (Лондон, Британский музей) из погребения в Уре, на которой изображены сцены с фантастическими животными и геометрическими орнаментами. А также, изящный аналой «Штандарт Ура» (Лондон, Британский музей) инкрустированный камнем и слоновой костью. Его боковые стороны украшены мозаикой цвета ляпис-лазурь, со вставками из перламутра. Лицевые стороны «штандарта» воспроизводят сцены из повседневной жизни шумер. На одной стороне показана сцена военного похода, а на второй приготовление к пиру и мирной жизни. В основном, шумерская мозаика представляет собой инкрустацию вырезанных изделий украшенных слоновой костью, ракушками, и другими материалами, закрепленными на поверхности.

Также, при раскопках других городов были найдены колонны, украшенные мозаикой, состоящей из глиняных конусов-палочек, длина которых 8-10 см, а диаметр 1,8 см. Они закреплялись на поверхности с помощью глиняного раствора и окрашивались в черный, белый и красный цвета.
С течением времени, применение данной техники переходит, в основном, к разновидности монументально-декоративного искусства, и на все последующее время мозаикой украшают полы, стены и потолки. Особенно сильно это выражено в античном искусстве, в мозаиках Византии, Возрождения, Нового Времени и вплоть до наших времён.

Следующим важным этапом в развитии мозаики является период античности. В Древней Греции самая ранняя композиция в технике мозаики найдена в Коринфе и относится к классическому периоду, датируется концом 5 в. до н.э. На мозаичном панно изображено колесо, которое обрамляется бордюрами, состоящими из треугольников, меандра и волн. В углах изображения, вписана фигура кентавра, гонящегося за леопардом. Они изображены в профиль без передачи объема. В мозаике особенно чувствуется влияние распространенной тогда техники вазописи:на черном фоне выложены белые фигуры, а композиция статична и строга.

В Древней Греции мозаичные панно обычно располагались аналогично современным ковровым покрытиям, те на полу помещения: композиция чаще придерживалась строгой симметрии. Изобразительные мотивы, используемые в работах, достаточно типичны для периода классики - это пальметты, листья аканта, завитки плюща, цветок лотоса, фигуры кентавра, льва, грифона и человека.

Крупный скачок в развитии искусства мозаики в Древней Греции произошел во время правления Александра Македонского (334 г. до н.э. – 30 г. до н.э.). Если до этого периода она была чаще востребована на территории материковой Греции, то в эпоху эллинизма стала распространяться на территорию Эгейского моря и в Малой Азии. Мозаика стала неотъемлемой частью интерьера богатого дома, любой обеспеченный гражданин считал необходимым поместить ее в своем жилище.

При раскопках города Пеллы – родины Александра Македонского были найдены два частных дома «Дом Диониса» и «Дом похищения Елены», украшенные грандиозными по размеру и красоте напольными мозаиками. Они датируются 330 г. до н.э.- 300 г. до н.э. Площадь этих работ действительно потрясает она составляет около 5000 м2.

Мозаики Пеллы принципиально отличаются от всех предыдущих напольных панно. Здесь большее внимание уделено центральной части композиции, а также использованы новые технические приемы (тессеры тщательно сортированы по форме и размеру), а также применяются другие материалы – полоски глины и свинец. В фигурах людей и животных появляется объем, пространство усиливается за счет использования дополнительных цветов – раньше этого не было.

Технология мозаики во времена Александра Македонского развивается стремительными шагами. На смену одной приходит другая. Так, например, приходит техника тесселирования т.е. подколки камушков под четырехгранную форму. Начинают использоваться цветные породы камней и стекла. Кубики плотнее подгоняются друг к другу, что дает больше реализма и живописности композиции.

В это время, центром мозаичного искусства эпохи эллинизма становится Пергам. Здесь автор Сос, создает панно «Неубранное место», на котором изображает объедки еды, разбросанные по полу после пышного приема: скелеты рыб, кости от курятины, орехи, раковины и ветки винограда – все показано с максимальной точностью.

В Древнем Риме мозаичное искусство достигло своего расцвета и заняло особенное место среди других видов искусств. Новая империя на первый план выдвигала помпезность и роскошь. Именно мозаика стала мерилом состоятельности человека, все считали за честь украсить ей свой интерьер. Частные виллы и общественные здания требовали интересного и практичного декора. Повсеместному распространению мозаики в это время способствовало и то, что она была сравнительно недорога при изготовлении, и не было других доступных аналогов для декорирования интерьера. В своей работе римские мозаичисты отдавали предпочтение природным камням, мрамору.

Для создания римской мозаики применялись различные техники. Это уже известная нам техника тесселирования, также новая техника опус вермикулатум, похожая на вышесказанную, с одной лишь разницей, камушки разбивались на мелкие элементы, что позволяло добиться большей живописности и проработки деталей. Эта техника была одной из самых дорогостоящих.

Примерно в 3 в. до н.э. зародилась новая техника мощения опус сиктиле. В ней впервые применен мозаичный набор, состоящий из вырезанных по специальной форме тонких пластин натурального камня. Позже эта техника получила название флорентийской мозаики. Она являлась самой дорогостоящей из всех.

В римской мозаике присутствует большая вариативность сюжетов:

- батальный жанр ;
- мифологический жанр ;
- бытовой жанр ;
- сцены охоты;
- атлеты;
- анималистический жанр;
- обитатели моря.

Византийская Мозаика.

В 1 веке в Римской Империи начинает распространяться Христианство. Но эта религия жестоко преследовалась, и людям приходилось скрывать свои убеждения, а их искусство ушло вместе с ними в подземные помещения (катакомбы). Они украшались в основном фресками, но встречались и небольшие мозаичные панно. Первыми изображениями в катакомбах были: рыба, ветки с виноградной лозой, крест, ягненок. По этим символам христиане узнавали друг друга и передавали новые знания о вере. С принятием христианства Константин Великий основал новое государство Византию, в которой главной религией стала вера во Христа. Он перенес столицу в город Константинополь (Стамбул, Турция) в которой особое значение было придано храмовой архитектуре. Мозаичное искусство прекрасно подошло к идеологии нового государства – все его основные качества, великолепие, красота и долговечность, сделали его незаменимым элементом оформления храмовой архитектуры. Главным нововведением византийских мастеров было использование смальты.

Смальта позволяла покрыть мозаикой не только пол, но также стены, своды и купола здания, так как она изготовлена из стекла – более легкого материала. Она давала художнику неограниченную палитру оттенков с помощью которой он мог достичь больших живописных переливов. Смальта имела чарующее воздействие на зрителя, мозаичные полотна из разноцветного стекла, попадая в лучи солнечного света, начинали искриться и мерцать. Еще большее впечатление давало использование золотой смальты в качестве фонов изображения. Таким образом, художники изображали жизнь в божественном свете. Поэтому не удивительно, что византийские мастера-мозаичисты использовали золото для изображений сцен жизни Христа, Богоматери, апостолов и пророков. Законы христианской веры не позволяли художнику отходить от строгих канонов, установленных церковью. поэтому сюжеты оставались почти неизменными, но декоративные приемы развивались.

Крупным центром развития византийской мозаики стала Равенна. Здесь уже в 4 веке были возведены несколько культовых помещений, стены которых украшались монументальными панно. В этот период начинает складываться основная иконография и композиция изобразительного образа. Художник-мозаичист обладал большим простором для творчества и интерпретации, а заказчик (государство) еще не ставил жестких требований для оформления интерьера постройки. Поэтому в Равенне можно увидеть такое разнообразие в технологических приемах выкладки мозаики и колористическом решении композиции. Но главным объединяющим элементом являлся глубокий смысл и высокий духовный уровень работы. Все чаще, при оформлении храма мастера давали предпочтение золотому цвету; так как он имел сакральное значение и к тому же светящееся и мерцающее смальтой изображение воспринималось целостней и контрастней. Хотя можно отметить ряд сооружений где вместо золотого фона использовалось стекло глубокого синего цвета. Ультрамарин, покрывающий купол олицетворял бесконечность и непостижимость Творца Вселенной.

Стоит остановиться еще на одном шедевре Византии, мозаиках храма Святой Софии. К сожалению, до нас дошла лишь небольшая часть декоративного убранства этого памятника, но и она дает представление о его общем былом великолепии. Мозаика храма Святой Софии была создана в течение нескольких столетий и отличалась особой роскошью. Чтобы в наибольшей степени представить всю былую красоту мозаичного убранства собора, можно рассмотреть изображение Богоматери, сидящей на троне и держащей на коленях младенца Христа. Фигура ее монументальна и величественна, она не подчинена плоскости, а как будто выступает на поверхности фона. У лика Богоматери мягкий овал лица, нос правильной формы и глубокий одухотворенный взгляд.

В 11 веке в правление династии Комнинов, Византийское монументальное искусство переживает последний расцвет. Об этом может свидетельствовать декоративное убранство церкви Успения Богоматери в Дафни близ Афин. Мозаики этого храма создают ощущение праздничности, вселенской гармонии и спокойствия. Композиции исполнены внутренней свободы, лики поражают своей холодной красотой и отстраненной безмятежностью. Цветовая палитра основана на едином холодновато-серебристом колорите с использованием пепельных, голубых, холодно-розовых и сапфировых оттенков, что особенно подчеркивает теплый золотой фон.

Как известно, в это же время Русь, становясь централизованным государством, приняла христианство, во многом, под влиянием Византии и, соответственно, перенимала византийское искусство, в том числе и мозаику.

В это время в Иордании так же распространялось искусство мозаики. Но в отличие от византийской настенной, в основном сохранились только напольные мозаики. Чаще всего среди них встречались сюжеты с изображением животных, птиц, геометрические и растительные орнаменты. В отличие от византийских изображений, в работах мастеров Иордании не встречается прямых христианских сюжетов, но есть портретные изображения Христа и донаторов (меценатов). Иорданская мозаика более стилизована чем византийская, фигуры обведены контуром, нет объема. В качестве материала использовался цветной камень, а фон чаще всего был выложен белым мрамором.

В эпоху Возрождения мастера вспоминают почти забытую технику древнеримской мозаики опус сиктиле. Флорентийские художники под покровительством Фердинанда I ди Медичи открыли мастерскую «Галерея Деи Лавори», где воссоздали эту технику заново и назвали ее «флорентийская мозаика». Художественный эффект ее основан на тщательном подборе естественных оттенков материала, рисунка, цветовых пятен и прожилок. Техника флорентийской мозаики использовалась, для декоративного оформления предметов интерьера: столов, шкафов, консолей, часов. Изобразительными мотивами служили: цветы фрукты, птицы, насекомые, морские обитатели, а также мифологические и христианские сюжеты. В качестве материала использовались наиболее ценные породы камня: яшма, мрамор, родонит, лазурит, кремний, агат, аметист, малахит и др.

В начале 20 века Антонио Гауди изобрел новую технику «тренкадис» - так называемую «ломанную» мозаику, составленную из кусочков керамической плитки, посуды и изразцов. Он впервые применил ее в оформлении парка Гуэль в Барселоне. Его изобретение предоставило новые возможности искусству мозаики.

В 20 веке происходит новый всплеск интереса к мозаике, в этой технике начинают работать многие художники Европы: Северини, Сирони, Сампильи, Гуттузо, Ники де Сен-Фалль работы их в целом, своеобразны и эклектичны, способ набора мозаик не изменятся, меняется смысл, он направлен эпатировать публику или навязать идеологию правящего класса.

Искусство мозаики в России.

Древняя Русь является преемницей Византийской Империи, следовательно, монументальная мозаика как и все виды искусств, проникла на ее территорию под византийским влиянием. Величайшим памятником того времени, украшенным этой техникой, считается по праву собор Святой Софии в Киеве. Интерьеры храма представляют собой необыкновенное богатство и красочность мозаичного убранства. Человека, входящего в собор, встречает величественный Образ Богоматери «Оранта» с распростертыми руками. Она монументально возвышается на золотом фоне над алтарем. Ниже расположены: фриз «Евхаристия» - Христа, дающего апостолам причастие и святые Отцы Церкви.

В.Н. Лазарев пишет : "Мозаика и фреска Софийского храма по своей суровой торжественности и величественности, по своему монументальному размаху не имеет себе равных во всей истории древнерусской живописи".

Позднее, в период наступления феодальной раздробленности и нашествия монголо-татарского ига, произошла постепенная утрата технологий изготовления смальты и в целом мозаичного искусства. Оно перестало существовать вплоть до середины 18 века.

В 1751 году М. В. Ломоносов начинает работу по воссозданию технологии изготовления смальты. В Ораниенбауме он построил фабрику цветного стекла и смальты. Ему удалось, за сравнительно небольшой период разработать огромное количество оттенков стекла, от прозрачно-светлых до глубоких синих и красных тонов. Не обладая особыми художественными навыками, но имея большое упорство и труд он за короткое время обучился древней технике прямого набора. Под его руководством было выполнено 13 портретов, среди которых 4 портрета Петра I, а также батальное монументальное произведение «Полтавская баталия».

К сожалению, накопленный им опыт был забыт еще примерно на 100 лет.

Флорентийская мозаика в России.

В 19 веке у русских мастеров появился интерес к флорентийской мозаике. Художника И.П. Соколова работающего на Петергофской гранильной фабрике, можно по праву считать основателем этого вида декоративно-прикладного искусства в России. Он уехал в Италию для обучения этому мастерству у флорентийских художников, а после, вернувшись назад, Соколов не только изготавливал предметы роскоши в этой технике, но и стал обучать азам мастерства своих учеников.

Для русской школы флорентийской мозаики характерны два ее вида – гладкий и рельефный, первый близок по стилистике к инкрустации (ларкетни). Тематика русских мозаик аналогична европейским, в основном это птицы, цветы и плоды. В Екатеринбурге также была открыта фабрика для обработки цветных камней, для работ ее мастеров стоит отметить наибольший интерес к орнаментации и преобладанию цветочных мотивов.

Для украшения стен Исаакиевского собора в середине 19 века, в Императорской академии художеств была основана мозаичная мастерская. Для ее открытия из Италии были приглашены братья Банафери, они привезли с собой технологию изготовления смальты и художественные приемы по ее выкладке. Итальянцы обучили русских мозаичистов, которые впоследствии украсили стены Исаакиевского собора. Стоит назвать несколько имен: И.П. Кудринов, И.А. Ларецкий, М.П. Муравьев, И.П. Пелевин и др., они работали по оригиналу художника С. Живаго, в технике оптического смешения цветов. В соборе представлено 62 мозаичные работы, общей площадью 500 м2. Работы выполненные здесь, выглядят как монументально-живописные полотна, они очень реалистичны, нет и намека на декоративность.

Следует отметить неоценимый вклад братьев Фроловых, которые в конце 19 века открыли первую частную мозаичную мастерскую. А.А. Фролов, ее основатель, к сожалению, прожил не долго, но он заложил основы своей мастерской. Александр Фролов предложил более упрощенную систему выкладки композиции, которая смотрелась легче, декоративней и помогала уменьшить общую цветовую палитру, благодаря чему сокращалось время работы над панно. Фролов сам обучал своих учеников, и вводил их в работу. Главным произведением его жизни можно назвать комплекс мозаичных полотен для храма Воскресения Христова (Спаса на Крови). После смерти А. Фролова, всю его работу продолжил брат В. А. Фролов. Художниками мозаичной мастерской Фроловых было оформлено девять храмов, среди которых такие памятники как: церковь Спаса на Крови, храм Святого Духа в селе Талашкино в Смоленской области, церковь Марфо-Мариинской обители в Москве. Фроловы сотрудничали с крупнейшими архитекторами своего времени, такими как Бенуа Л.Н.; Шехтель Ф.О.; Покровский В.А.; Щусев А.В. и художниками Васнецовым В.М.; Нестеровым; Рерихом Н.К.; Петровом-Водкиным К.С., делая мозаики по их эскизам. После революции фроловцы продолжали работать, среди работ того времени можно отметить: мавзолей им. В.И. Ленина, памятник героям революции в Н. Новгороде и оформление павильонов на ВСХВ (ВДНХ) в Москве.

Стоит отметить также, весомый вклад Фролова в украшении станций московского метрополитена.

Мозаика московского метро.

В мозаичной мастерской Фроловых, по эскизам Дейнеки, были выполнены 33 плафона для станции метро «Маяковская». Темой для них служили «Сутки советского неба». Второй крупной работай мастерской были 8 мозаик для станции «Завод им. Сталина» (Автозаводская), Общей тематикой этого панно, является труд народа в Великой Отечественной войне. Она была сделана в период 1941-1942гг. Так же во время войны были выполнены 7 плафонов мозаики для станции метро «Новокузнецкая», по эскизам Дейнеки. Сам В.А. Фролов с небольшим кругом учеников выкладывал их во врем Блокады Ленинграда. Эта была последняя работа мастера. Мозаики были доставлены в Москву по Дороге жизни и установлены на своде станции. Наследие братьев Фроловых, для нашей страны поистине неизмеримо. Они украсили быт простого человека, и показали путь следующим поколения художников мозаичистов.

Потолок станции «Комсомольская» кольцевая украшен мозаиками П. Корина. Всего им было выполнено 8 панно, посвящённых великим победам русского народа. На 5 работах изображены великие полководцы прошлого: А. Невский, Д. Донской, К. Минин и Д. Пожарский, А. Суворов, М. Кутузов, а на остальные три посвящены Победе в Великой Отечественной Войне: «И. Сталин на Параде 7 ноября на Красной площади» (в 1962 году был заменен панно «Выступление В.И. Ленина»); «Взятие рейхстага советскими войсками в 1945году», «Парад Победы 24 июня 1945 года». Мозаики, сделанные Кориным выглядят эпично и монументально они наполнены «пафосом советской эпохи». Художник также оформил мозаикой станцию метро «Смоленская» Здесь находится его панно «Миру мир» на которой изображена женщина с ребенком на ее руках.

Мозаики для метрополитена изготовляли и другие мастера. Стоит отметить творчество Г.И. Опрышко художника-мозаичиста оформившего станции «Киевская» и «Белорусская». В работе над Киевской принимали участие также А.В. Мызин и А.Г. Иванов. Ими были изготовлены 18 панно по теме: «история Украины и дружба украинского и русского народов». Г.И. Опрышко работал также в технике флорентийской мозаики, ее он применил для композиций на станции Белорусская-кольцевая. Художник выполнил 12 мозаичных панно в форме восьмигранника из цветного мрамора со смальтовыми вкраплениями. Темой этих композиций была «Советская Белоруссия», сцены из жизни трудящегося народа , достижения в культуре и спорте.

После прихода Н.И. Хрущева, в эпоху борьбы с культом личности, мозаики на многих станциях переделали, заменив композиции со Сталиным на другие, или, вообще, разобрали. Например на «Арбатской» возвышался величественный портрет бывшего вождя, но в 1956 году его сняли, осталась лишь рама.

Еще одну серию работ в московском метро, выполненных в технике флорентийской мозаики, можно увидеть на станции метро Чеховская. Над панно работали художники Р. Шорчев и Л. Шорчева, они выполнили 18 композиций по творчеству А.П. Чехова. Изобразительные образы навеяны стилем модерн, поэтому выглядят романтично и загадочно, композиции как бы выплывают из общей тональности стен, при этом они очень красочны. Для оформления панно использовались более 20 пород цветного камня, здесь присутствуют голубые розовые, синие, фиолетовые, серые и терракотовые оттенки.

Станковая мозаика А.А. Дейнеки.

Выше отмечалось причастность художника в создании плафонов на ст. Маяковская, теперь рассмотрим его собственное творчество в области мозаики. Он работает над станковыми панно, сравнительно небольшого размера: «Утро», «Хоккеисты», «Доярка». Для всего его искусства характерны оптимистичность, легкость и динамичность, работы словно наполнены солнечным светом. Любовь к жизни, молодости и к силе – вот его главные темы. Он сочетает в одной работе разные материалы используя смальту, мрамор, метлахскую плитку. Работает в технике флорентийской мозаики. Со своей группой мозаичистов он работает над 60-ю портретами выдающихся ученых, среди которых портрет Ломоносова, выполненный из мрамора, для здания МГУ.

К периоду 70-80 гг. советской мозаики относятся монументально-декоративные панно украшающие здания: дворцов молодежи, кинотеатров, заводов и жилых домов. Композиции изображений были типичны для этого периода: подвиги трудового народа, исторические события прошлого, освоение космоса и устремленность в счастливое коммунистическое будущее. Несмотря на изначальное превалирование социального заказа, во многих работах художники смогли выразить свой творческий потенциал и оставить нам настоящие произведения искусства, такие как: «Утро планеты», «Комсомол», «Прометей». Можно назвать несколько художников работавших тогда. Голубев, Мельник В. И., Тимофеев, Релкин А. А., Никонова З. Н.

Развитие изобразительного искусства 20-21 века, очень сильно повлияло на всю культуру. За прошлый век сменилось масса направлений в живописи, графике, скульптуре и тд. На рубеже веков у художников стало модным выражать себя во все более непредсказуемой манере, эпатаж – главный гимн современного искусства. Как ни странно, или даже лучше сказать, вполне предсказуемо, что на искусство мозаики этот лозунг не слишком повлиял. Насколько можно судить, почти все произведения, созданные в этой технике за последнее время выглядят очень достойно.

Андрей Мыльников воплощал в себе качества почти несовместимые. Монументалист - романтик, приверженец традиций. За долгую жизнь художник работал в разных жанрах - был мастером пейзажа, портрета, мозаики, экспериментировал с декоративно-прикладным искусством. Его работы – это мозаики в кинотеатрах, в Театре юных зрителей и на станциях метро. На «Владимирской», рядом с Кузнечным рынком – панно «Изобилие». Его произведения – это не только панно и картины, но и ученики. Мыльников много лет руководил мастерской монументальной живописи в Академии художеств.

Александр Быстров художник-мозаичист, работы которого можно увидеть на недавно открытых станциях «Адмиралтейская» и «Бухарестская», Санкт-Петербургского метро. Ученик Алексея Мыльникова и нынешний руководитель монументальной мастерской в Академии художеств. В данных работах художник намеревался выполнить простую задачу – продемонстрировать образ Бухареста и показать архитектуру Румынии, которой удалось в определенной степени сохранить наследие византийских мастеров. Данная тематика находит отражение в декоративных плафонах, потолочных приборах освещения, а также в художественно-декоративном полотне, на котором изображены осенние пейзажи. Станция «Международная» по своей конструкции напоминает некий космический корабль. Ключевым звеном мозаики выступает мифологический Атлант, поддерживающий шар. Тем самым данная мозаика символизирует единство прошлого и будущего. ледует также заострить внимание на мозаичных полотнах, которое декорирует новую станцию «Адмиралтейская». Тема оформления новой станции подземки достаточно специфическая, а именно «Становление российского флота в эпоху Петра Великого, первые морские победы России на Балтийском море». На изумительной по красоте мозаичной картине под названием «Основание Адмиралтейства Петром I» изображена фигура великого реформатора. Помимо этого, холл станции «Адмиралтейская» украшают еще три мозаичных панно, составленные на морскую тематику. Стены и потолок вестибюля декорированы элементами, которые имитируют корабельные канаты. Над созданием мозаичных полотен для украшения интерьера новой станции «Адмиралтейская» также трудился художник Александр Быстров.

Сейчас, в России еще остались художники, работавшие во второй половине 20-го века, они сохраняют традицию, зародившуюся в то время. Их работы, чуть меньше размером, но художественные багаж, накопленный ими остается масштабным. К ним можно отнести двух художников-монументалистов А. Б. Корноухова и Н. В. Горяева (к сожалению, ушедшего из жизни в 2013г). Их работы, очень знамениты не только в России, но и за рубежом. А.Б. Корноухов, профессор института им. Сурикова, всемирно признанный художник, мозаики которого украшают храмы России, Ватикана и Цюриха Мозаика над порталом Сионского Кафедрального собора в Грузии, «Новый Иерусалим» Его работы утончены, скромны по колориту, и очень одухотворены. Второй мастер, Н.В. Горяев, упомянутый выше, знаком нам по мозаичным панно на станции метро «Марьина роща», для нее он выполнил 9 композиций посвященных владениям графов Шереметьевых. В традиционном блеске смальты, перед нами предстают, прекрасные пейзажные панно, тихие, летние, благостные виды природы, так и хочется перенестись туда хоть на время. Художник Н.В. Горяев, являлся профессором МГХПУ им. Строганова, он около 9 лет, вместе с группой единомышленников, занимался проектом Федерального военно-мемориального кладбища в Мытищах

Морской собор в Кронштадте (отреставрированный в 2012 г.).

Над украшением собора трудились лучшие мастера своего времени, оставившие заметный след в истории отечественного и мирового искусства. Из исторических источников известно, что в работах над убранством собора принимали участие архитектор и художник Г.А. Косяков, колокололитейщики Оловянишниковы, скульптор Н.В. Попов, мозаичист В.А. Фролов, керамист П.К. Ваулин, живописцы К.С. Петров-Водкин, М.М. Васильев, Ф.Р. Райлян, А.В. Троицкий и др. Огромную работу по созданию эскизов декоративных элементов и предметов для собора выполнил его строитель В.А. Косяков, которому принадлежит общая концепция системы художественного оформления фасадов и интерьера. Благодаря единому замыслу зодчего работы разных художников, исполненные в различных материалах и техниках, слились в гармоничный ансамбль.

Собор Покрова Пресвятой Богородицы в Ясеневе.

В Москве в 2015 г. построен храм, стены которого полностью выложены мозаикой, — мечта всех церковных художников-монументалистов. Мозаики собора выполнены в стилистике древневизантийского искусства.

Стиль модерн в искусстве мозаики.

Ярким представителем этого направления является итальянский художник Марко Бравура. Творчество Марка Бравура — новое слово в дизайне, сочетающее в себе и скульптуру, и декоративное искусство, и архитектуру. Он один из наиболее ярких итальянских художников, олицетворяющих современность.

Итальянский художник, скульптор, мозаичист Марко Бравура — уроженец Равенны, города, который известен в мире благодаря богатому наследию византийских памятников и мозаичной традиции. Жизнь, творчество, философия, магия и чудеса — все переплелось в творчестве художника и скульптора Марко Бравура. Это — художник, объединивший интеллект и фантазию, традиции и современность, романтику и мудрость, форму и содержание. Ему удается сочетать старинную технику с актуальными поисками новых форм, в его работах мозаика органично сплетается со скульптурой. Знаменитый фонтан Бравуры «Ковер-самолет» — это и правда мозаичный ковер, парящий в водных потоках, который, кажется, вот-вот взлетит. «Фонтан Бабочек» — олицетворение движения вперед, движения к красоте, восхищение миром. А мозаика, украсившая скульптуру чудесными, яркими, летними красками, оживила ее, сделала трепетной и восхитительной, как полет бабочки. «Улитка» — воплощение мудрого спокойствия, неторопливости, бесконечности.

В настоящее время Марко Бравура живет и работает в Мозаичной студии Solo Mosaica, курируемой фондом Исмаила Ахметова. Марко Бравура — Главный учитель и идейный вдохновитель студии. Он постоянно проводит мастер-классы для художников мозаичной мастерской Solo Mosaico, проводит эксперименты над формой материалами.